¡Me he mudado!

A partir de ahora este blog no se actualiza mas, me he mudado:

www.enriquemarin.com.mx

¡Piquenle!

Sobre la vida, la muerte, y todo lo demás:

 A través de los artistas de la Galería Terreno Baldío Arte en Affordable Art Fair México:

 Conociendo las dos corrientes energéticas básicas o pulsiones. Eros (vida) y Tanatos (muerte) Freud define a la Pulsión de muerte como la que lleva a la reducción completa de las tensiones, o sea, a disolver al ser vivo al estado de materia inorgánica, en este ejemplo de artistas, Eva Gerd comulga con esas ideas mostrando una tendencia usando unidades vitales destruidas como materia prima: huesos, cual parábola bíblica (“He aquí, yo hago entrar espíritu en vosotros, y viviréis”(1); Gerd nombra estas unidades aparentemente despojadas de vida mediante la reconstrucción de un epidermis artificial dotándolos de un nuevo valor, liberándolos de su función vital  y así retornándolos al estado inorgánico, considerado como el estado de reposo absoluto. A partir de ese reposo es que Hector Velázquez retoma viejos rituales tribales para crear no solo una, sino dos epidermis que escapan de su cárcel artificial hacia el objeto creando esas pulsiones que se dirigen primariamente hacia el interior, tendiendo a la autodestrucción (pulsión de destrucción), y en un segundo momento se dirigirían hacia el exterior (pulsión agresiva). Por su parte Anette Kuhn nos refleja en su obra rocosa un empuje por el retorno a la materia orgánica, cual pulsión pasando al otro extremo, el de la vida, supone la concepción de que todo ser vivo fue en un "antes" un "ser no vivo"; por lo tanto, la satisfacción de la pulsión sería un viaje de retorno a un estado anterior, o un estado siguiente, la vida. Dos extremos de la misma cosa, se nos presentan al mimo tiempo, como paradoja. Las pulsiones de muerte de estos artistas se encuentran y contraponen de frente a la de la obra de Emilio Rangel y Ángel Ricardo quienes basándose en una nueva concepción teórica, constituyen en esta nueva visión de la pulsión, las pulsiones de vida. Emilio Rangel retrata personajes caricaturescos que a todos de cierta u otra manera nos son cercanos, con una exquisita perversión que se vuelve siniestra, por su parte Ángel Ricardo muestra un carácter objetual y decidida vocación arquitectónica como constante en su obra, sus piezas son ejercicios magníficos que proponen otra visión del objeto-artístico. El principio que rige directamente la estética de estos es esta pulsión, la de vida, el de "Nirvana", ya que éste es el principio económico de la reducción de las tensiones a cero. Estos artistas se perfilan como una tensión entre el camino por recorrer del Eros al Tanatos,  la involución y la inercia. Sin embargo, estas manifestaciones artísticas no significan que exista una tendencia a la perfección, o a la belleza siquiera; de aquí que la muerte interna sea también natural como la vida, la que tiene su escape en la ya evidente supervivencia, defensa y conservación de la especie.

Affordable Art Fair es un evento de tres días que se da en varias ciudades del mundo, presentando una gran cantidad de galerías y una enorme variedad de arte contemporáneo accesible, la primera versión Mexicana se llevó a cabo del 19 al 21 de octubre del 2012 en Expo Reforma en la Ciudad de México.

©Enrique Marín

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(1) Ezequiel , El valle de los huesos secos (26:37:1 - 26:37:14)

www.terrenobaldioarte.com

www.affordableartfair.com

Fotos © Two Twins 

Sobre el pensar de un actor:

Indudablemente los artistas no podemos ver la vida como los demás, ni siquiera tenemos la capacidad, nuestro horizonte esta expandido, nuestros sentidos dilatados, nuestra percepción alterada constantemente. ¿Quién no se ha sentido perturbado ante la fría y desmembradora mirada de un artista plástico?, en el caso del actor todo se traduce a acción, ¿Cómo ve la vida un actor? , ¿Cómo piensa la vida un actor? En la acción, creo yo; el pensar de un actor de funda en la acción. ¿Cómo es esto?, pues fácil, en mi experiencia he pasado mucho tiempo intelectualizando lo que me pasa, o simplemente aprendiendo mas por los métodos racionales, sin embargo no es hasta que acciono todo eso que pienso que realmente mi cuerpo lo asimila, es decir, pienso que el pensar del actor se basa en algo mas visceral, en una experiencia tangible, en el procesar del cuerpo, pues.

“El ser humano esta donde su mente esta” me repitieron incasablemente en la escuela, tal vez la mente esta donde el ser humano va, pues pienso que al menos en el actor, reitero, es necesario pensar con el cuerpo. Pensar implica muchas operaciones mentales, y no solo racionalizar, creo que para un actor eso que sentimos en el estomago al estar en la escena frente a los espectadores tal ves es el mejor pensar que podamos lograr, pues estamos en ese otro horizonte llamado ficción, donde nos es posible pensar lo que queramos, por ende ser eso que queramos. La ficción es solamente mientras dura, la ficción nos permite ser a nosotros, la ficción permite a lo otro ser, la ficción es un invento humano, sin embargo existe una ficción natural, con la que yo análogo la ficción teatral: los sueños. Para mi la ficción es un sueño traído al horizonte del mundo. Es allí donde radica el pensar de actor.

Los sueños son en parte producidos por nuestra memoria, al igual que lo que ocurre sobre el escenario, en parte son representaciones de nuestros referentes, en parte son manifestaciones de nuestro inconsciente, los sueños al igual que la ficción son verdaderos solo mientras duran, y como la pasión, se consumen mientras duran, también como la ficción. Los sueños como estructura mental están situados dentro de nuestra memoria, están a su ves situados en el horizonte de otra ficción: la memoria. A diferencia de la ficción teatral, los sueños son dados, no los producimos conscientemente, la ficción artística si es consiente. Yo me cuestiono sobre un misterio aun mayor ¿Cómo crear un sueño estando despiertos?, ¿Cómo habitar un mundo onírico conscientemente? Indudablemente nuestro pensar, por lo menos de manera inconsciente radica allí. Vamos siguiendo nuestro cuerpo, que habita el horizonte que nuestra mente le dice.

Por otro lado el teatro es un arte que se fundamenta en el trabajo del actor. Si el actor falla, todo lo demás se viene abajo. Nada más importante, para quien quiera pensar algo sobre el teatro, que entender en qué consiste el pensar de un actor al interpretar un personaje. Para poder asumir la identidad y la forma de otro (el personaje), el actor tiene que aprender a dejar de ser él mismo, abandonar durante cierto tiempo su yo, valla reto, como se cuando me pienso a mi mismo, o ¿al crear un personaje retomo pensamientos universales de la humanidad?, ¿al entrar al a ficción estoy habitando ese horizonte de las grandes situaciones sin resolver de la humanidad?, ¿Toda esa responsabilidad recae sobre mis hombros en esos momentos? , ¿Es ese mi pensar? Durante la interpretación el yo social y personal del actor se borra, pasa al fondo, se retira a la penumbra de la conciencia. En su lugar aparece “otro yo” Mis pensamientos racionales desaparecen tan solo para repartirse por todo el cuerpo, es pues ese momento cuando empiezo a “pensar con las rodillas” o con cualquier otra parte del cuerpo, pues el proceso pasado, sin embargo, no anula “la conciencia de sí mismo”. Si la perdiera, se volvería loco y espantaría a los espectadores. Entonces, tengo que ser capaz de guardar mi “pensar “donde mas lo necesite dependiendo del horizonte que este habitando. El teatro te lo pide todo, al grado de anular mi conciencia. Indudablemente porque dentro de nuestro pensar nos faltan algunas respuestas todo es para conseguir un momento de verdad sobre la escena, irónico, si se piensa que somos mentirosos profesionales. El actor se desprende de sí mismo y se arroja a lo desconocido, pero con control, el pensar del actor es pues, la única ancla que nos mantiene unidos al a realidad.

Y sigo refiriéndome a “el pensar del actor” no como un proceso de racionalización o interpretación, si no mas bien a un estado perceptivo alterado en relación con los demás humanos. En escena el actor es, ante todo, “un ser que siente”. Sentir no es lo mismo que emocionarse. El discurso sobre las emociones, como si éstas fueran la esencia del teatro, no tiene en cuenta esta distinción fundamental. Diderot frente a Strasberg. Me quedo con Diderot. Ese sentir para mi es el pensar, el pensar de un artista, el pensar de un artista de la acción. Para que un actor pueda ocupar el lugar del personaje tiene que dejar espacio en su mente y en su cuerpo para que ese “ser etéreo” y ficticio se encarne, se haga visible. El personaje viene del “más allá”, es “un aparecido” que no tiene cabida mas que en el espacio del inconsciente que el actor despeja de su mente, de su pensar.

Así en el actor, esto sucede al desplazar su yo hacia un rincón de la conciencia, algo nuevo e imprevisible surge: la mirada del actor se libera, la voz del actor se libera, el gesto del actor se libera, el cuerpo del actor sigue su propio impulso creativo. Su mente se libera, su pensar vuela.




©Enrique Marín

Las 10 mejores obras de teatro de la década:

El tiempo paso, el año se acabo, y con este, la primer década del siglo, después de sacar varias candidatas entre expertos en la materia se llego a una lista de 17 finalistas, luego se convoco una encuesta y por lo menos la gente que vio un poco de todas voto y aquí están los resultados de las 10 mejores obras de la década*:

1.- Historias Comunes de Anónimos Viajantes: (2010)De Antonio Zuñiga,
Dirigida por Rodolfo Guerrero, compañía Al Borde Teatro
Se presento en el Trolebús Escénico “La Otra Nave” en la Condesa.
¿Cuál es la sutil línea que separa a la realidad de la ficción? (...) la “puesta en escena” Historia Comunes de Anónimos Viajantes me dio una bofetada en la cara aplacando todas mis dudas referentes al tema.

En un espacio “alternativo” un trolebús la compañía Alborde Teatro con algunos actores invitados toman de pretexto sus propias vivencias para reflexionar sobre su condición como artistas escénicos, como ciudadanos, pasajeros, etc. etc. de ese monstruoso inconsciente colectivo en el que estamos sumergidos.

Cinco personajes que por coincidencia o casualidad se encuentran allí en ese preciso momento) alternan diálogos con los cinco actores que les dan vida, entrelazando un profundo y a la vez sutil texto escrito por el dramaturgo Antonio Zuñiga. Las líneas que dividen la ficción de la realidad son tan imperceptibles, que resultan risibles. El manejo corporal es tan cotidiano que te olvidas que estás viendo una representación, y tal vez así es, pues no se está representando nada, dependiendo del punto de vista del que lo veas. El dispositivo escénico es muy sencillo, solo para adornar el espacio dado, un excelente trabajo minimalista de manos del director Rodolfo Guerrero.

Tal vez no a mas vista, pero si la más votada por la gente que sabe, llega al número 1 de esta década esperemos la temporada próximamente. Eso es teatro en el sentido más estricto de la palabra, o tal vez el teatro en el sentido más estricto de la palabra es eso.

Foto @ Hector Ortega

2.- La Piel (2005)De Ximena Escalante
Dirección de Claudio Valdés Kuri
Compañía Teatro de Ciertos Habitantes.

Foto @ Teatro de Ciertos Habitantes

3.- Incendios (2010)De Wajdi Mouawad
Dirección de Hugo Arrevillaga
Compañía Tapioca Inn

4.- Ensayo sobre la melancolía (2008)Escrita y dirigida por Alberto Villareal
Compañía Artillería Producciones

5.- Hamlet (2005)Dramaturgia de Raúl Falcó
Un espectáculo de Juan Jose Gurrola

6.- Parajes desoladores (2010)Escrita y dirigida por Mariana García Franco
Compañía El Regreso de Ulises

7.- Mestiza Power (2008)Escrita y dirigida por Conchi León.

8.- Santa Juana de los Mataderos (2002)Original de Bertolt Brecht, adaptada por Antonio Zuñiga y Luis de Tavira
Dirigida por Luis de Tavira

9.- ¿Dónde estaré esta noche? (2004)De Claudio Valdés Kuri y Maricarmen Gutiérrez
Dirección de Claudio Valdés Kuri
Compañía Teatro de Ciertos Habitantes

10.- Yo también quiero un profeta (2005)De Ximena Escalante
Dirigida por Martín Acosta.


Las que pudieron ser:

Más Pequeños que el Guggenheim (2010) de y dirigida por Alejandro Ricaño, Blod (2004) de Lars Norén dirección de Jorge Vargas, Los Justos (2003) Albert Camus, adaptada y dirigida por Ludwik Margules, Juan y Beatriz (20029 escrita y dirigida por Mauricio García Lozano, Esperando a Godot (2003) de Samuel Beckett dirigida por Agustín Meza, compañía El Gettho.

Merito especial a aquellas obras que aunque no entraron en el conteo nos hicieron muy felices:

El Oso y Petición de Mano (200) de Anton P. Chejóv, dirección de Antonio Zuñiga y Abraham Jurado, Pastorela City (2009) versión libre de la obra de M. Lucero Gaviota, dirección de Jair Mendez, Vuelve el Cabaret (2009) dirección de Luis Rivero, ¿A que no adivinan? (2009) escrita y dirigida por Nora Mannek, Beckett o In Godot We Trust (2007) de Verónica Bujeiro, Claudia Romero y Miguel Ángel Canto.

Y bueno de las obras más malas la lista sería infinita se hablaría más o menos de directores de teatro, Dios como un DJ, pascuas, todos los tenorios, rayos dorados, guadañas de calibre 45, modestos y modestias, alguien que dijo que iba a venir, el sabio Nathael, el cáncer que provoca el olvido, tableros de juguetes, la madre muerta de Ofelia, Edmont, todas las entidades que no tienen peso, casas de muñecas comerciales, etc, etc, por eso no hay lista.


©Enrique Marín con colaboradores.

*Según Henrich, ¿Verdad?, Colaboradores y sus votantes. ¿No estás de acuerdo? ¡Opínale!

Disculpen las molestias:

¿”Las revoluciones nunca han aligerado el peso de las tiranías, sólo lo han cambiado de hombros”, “Hemos inventado la revolución, pero no sabemos qué hacer con ella.” “Es inconcebible una revolución que no desemboque en la alegría.”, “En las revoluciones hay dos clases de personas; las que las hacen y las que se aprovechan de ellas”, “Un cambio social real nunca ha sido llevado a cabo sin una revolución”, “Revolución no es sino el pensamiento llevado a la acción.”?

Hacemos teatro no por creer que es el mejor o el único lugar, pero es donde nosotros decidimos estar, nuestro campo de batalla; ya estará el abogado, el político, el campesino que como una celebración accionara desde su espacio, el nuestro hoy es el mirador, donde el primero al que se topa es al actor mismo. De aquí el motor de nuestra obra, ¿Cuál es tu propia Revolución, hoy?

Rebelión es una puesta en escena inacabada, cada día se construye y se reformula desde su corpus ficcional, llegando al desenmascaramiento de la realidad del actor y de nuestra realidad.

No somos seres con la bandera de la verdad tirándonos al vacío de un postulado incuestionable. Somos jóvenes que se preguntan su hacer continuo, sin pretender ser castos en el cotidiano, es más, tomamos la historia de unos indígenas marginados siendo sujetos de rasgos colonizados, de clase media, donde la esencia del dolor, de ese profundo dolor de la desigualdad es la que dialoga con el que a diario, directa o indirectamente nos topamos.

“Disculpen las molestias, esto es una rebelión”

El Director

¿Cuál bicentenario?

Aunque esta entrada no va con el tono del blog, debido a las fechas no puedo quedarme callado, tampoco tengo una gran opinión sobre tan absurdo suceso, así que solo me limitare a escribir algunos datos históricos:

El 15 de septiembre de 1810 no sucedió nada, absolutamente nada. Aquello a lo que llamamos La Independencia de México no existió sino hasta 1821. La fecha del 15 de septiembre fue una decisión de Porfirio Díaz para hacerla coincidir con su cumpleaños, la campana de Dolores en realidad no la tocó el Cura Hidalgo, sino José Galván, el campanero. El Estandarte de la Virgen de Guadalupe fue tomado hasta el santuario de Atotonilco, y no en Dolores, donde se dio el Grito.

A principios de la década entre 1800 y 1810 los criollos de la Nueva España ya no deseaban compartir la riqueza del nuevo pueblo con los españoles y la desigualdad social fueron los pretextos principales para pensar en un movimiento de rebelión. En 1808, Napoleón ocupa España, por lo tanto los españoles estaban muy ocupados defendiendo su país.

En México al enterarse de la invasión francesa en España aprovecha para promover el movimiento de la Independencia por medio de carteles en todo el país. En esta época surgen Ignacio Allende, el corregidor Domínguez y su esposa Josefa, Abasolo, Aldama y Joaquín Arias. El pueblo mexicano era un fiel seguidor de la fe cristiana, por lo que pensaron en invitar a un sacerdote a fin de convencer a todo el pueblo, así Allende propuso a Miguel Hidalgo y Costilla quien era cura de Dolores.

Como pocas personas saben, el mal llamado “Movimiento Independentista” era en realidad una conspiración de los criollos (Españoles nacidos en México) en contra del poder de los Españoles nacidos en España (llamados desde entonces “gachupines”).El cura Miguel Hidalgo y Costilla, a pesar de considerarse a si mismo Español, se unió con los criollos en dicho movimiento. En aquel entonces los criollos no tenían los mismos derechos de los “gachupines” y por eso se organizaron para rebelarse y pelear por ellos.

Uno de los muchos problemas con la historia oficial que conocemos es que fue escrita por los criollos vencedores del movimiento y en ella se realzan las figuras de sus participantes y se manipulan los hechos reales a la conveniencia de los autores. El movimiento estaba planeado originalmente para el 2 de Octubre en San Juan de los Lagos (Jalisco), pero por denuncias hechas ante las autoridades se adelantó para septiembre.

Miguel Hidalgo y Costilla decide iniciar la lucha a las 5 de la mañana del 16 de septiembre de 1810, se llamó a misa, el pueblo acudido al llamado y con el grito de ¡Mexicanos, viva México!, ¡”Viva la Virgen de Guadalupe”!, ¡Viva Fernando VII! y ¡Muera el mal gobierno!; Hidalgo incitó al pueblo a levantarse en armas contra los españoles. A este suceso se le conoce como “Grito de Dolores”.


Si en la arenga del grito se dice “…Viva Fernando VII…” entonces, ¿donde está la mal llamada independencia de España? Según el historiador Humberto Gómez Villarreal, el 4 de diciembre de 1824, el general Guadalupe Victoria, entonces presidente de México, decretó el 16 de septiembre como fiesta nacional, realizándose esta ceremonia por primera vez en 1825, en donde el dirigente dio el Grito de Independencia ese día por la mañana, emulando al acto del cura Hidalgo 15 años antes. Pero fue a partir de 1896 cuando la ceremonia se comenzó a realizar el 15 de septiembre a las 11:00 pm., por orden del general Porfirio Díaz, quien modificó la fecha debido a que ese día era su cumpleaños, y tradicionalmente hacía una fiesta en el Palacio Nacional, en donde a la par se comenzó a festejar la independencia del País. Y para esa ocasión, el general Díaz mandó trasladar la campana del pueblo de Dolores al Palacio Nacional, estableciéndose como fecha para celebrar el Grito de Independencia el 15 de septiembre.

Hoy, 200 años después (189 en realidad), no somos independientes en ningún aspecto. No hay nada para celebrar, tan solo un aniversario más que conmemorar. El caso y la verdadera historia es que, La independencia de la Nueva España, nunca fue concebida como tal, sino que Hidalgo, Aldama, Allende, y demás, buscaban, la composición de un gobierno virreinal con participación criolla, menores impuestos, más autonomía, el acceso a cargos públicos a cualquier novohispano, y no solo a peninsulares, diputados en las cortes, y sobre todo, desconocimiento a Napoleón y reconocimiento a Fernando VII, tan es así que el grito de guerra de Hidalgo fue “Viva La virgen de Guadalupe, Viva Fernando Séptimo, Muera el Mal Gobierno”.

En 1812, es ejecutado el Padre Morelos, al tiempo en que en España, las Cortes de Cádiz aprueban la Constitución de Cádiz de 1812, la cual suprimía privilegios y fueros, a la aristocracia, al clero, y al ejército, dotaba de mayor autonomía a los Virreinatos, entre otras cosas. Esta situación puso a temblar a muchos, incluido Agustín de Iturbide, que viendo esa situación se le ocurre, poéticamente, la Independencia de México, desconocer al Rey Español, y encabezar un vasto imperio, “El Gran imperio Mexicano” esa idea les gustó a criollos de la Nueva España, seducidos por Iturbide, aprendieron a Juan De O’Donojú último Virrey, cuando iba a México y le Obligaron a Firmar la Declaración de Independencia de México, los llamados tratados de Córdoba.

¿Bicentenario de qué?

Fuente: Wikipedia

Coringas y teatro real:

Coringa:

Augusto Boal usa este termino para nombrar a los actores provocadores.

El Teatro invisible no es más que una parateatralidad porque entra en el flujo de la verdad. Marigon Saizon habla del teatro real, otros lo llaman teatro político, ( para protestas) no exactamente en nuestro caso, también es llamado teatro de la vida.



Nosotros los llamamos

La Nave



[lectura recomendada:

BOAL, Agusto

“El teatro de lo oprimido”]

Luchar por lograr estar: (Silencio)

Preguntarnos por nuestra voz, una voz que en realidad es un llamado, una voz que nos llamo, menciono nuestro nombre y dijo “ven”…

Para escuchar el llamado necesitamos habitar el silencio. El silencio no es necesariamente no hablar, es construir un estado interior mas allá del parloteo.

 El silencio no es la ausencia de ruido, es la presencia de voces.

 Llegar a tal estado de conciencia capaz de escuchar tus propios latidos de tu corazón, cuando las sombras se convierten en presencias.

 Así es el saber llenar el silencio, porque la palabra siempre va precedida por el silencio.

 Simplemente estar.

(Gracias Chris por alegrar mis vacaciones, ¡mas que nada!)

Tiempo sagrado:

Al igual que el espacio, el tiempo también es sagrado.  Su función: el festejo, la purificación. El tiempo sagrado es un tiempo recuperable, recuperas algo, pero único e irrepetible. Recuperar porque es susceptible de hacer presente a través del festejo, del ritual, es el tiempo sagrado. Ojo: Sagrado no significa solemne, significa romper con la homogeneidad, que cada instante sea diferente, darle un valor al tiempo.

Ejemplos: Un cumpleaños, el calentamiento antes de una función, un aniversario, o el mejor: El ritual de año nuevo a celebrarse mañana. Rompan la homogeneidad.

Feliz año nuevo a todos.